Daté de la fin du XII^e siècle et provenant vraisemblablement d’un atelier sicilien au carrefour des civilisations orientales et occidentales, cet instrument de musique est donc contemporain de Richard I^er (1157-1199), le fils d’Henri II et d’Aliénor d’Aquitaine. Le souverain anglais s’est notamment rendu célèbre pour son amour des lettres et de la poésie, sa participation à la troisième croisade entre 1190 et 1192, puis sa captivité dans le Saint-Empire romain germanique à son retour de Terre sainte de 1192 à 1194.

Matière noble par excellence, l’ivoire, ici richement sculpté de chiens, éléphants, faisans et autres griffons (animaux légendaires mi-aigles mi-lions), ne pouvait appartenir qu’à un personnage de haut rang dont l’identité est à ce jour inconnue. Bien que des cors aient été utilisés à la guerre pour sonner la charge et dans les châteaux-forts pour « corner » l’alerte ou prévenir la population de l’arrivée d’une personnalité, celui-ci était avant tout destiné à la pratique de la chasse. Les bas-reliefs courant sur l’ensemble de la pièce sont autant d’indices pour établir cette utilisation cynégétique (liée à la chasse). Ainsi, en soufflant dans la pointe perforée de la défense, le chasseur peut-il avertir les veneurs et les chiens des différentes circonstances de la chasse. Le débucher, la vue, l’hallali et les honneurs étaient en effet toujours précédés d’un signal acoustique. Ce dernier alternait tons longs et brefs, car l’une des caractéristiques de l’olifant est de ne pas permettre de varier les hauteurs d’un son, mais uniquement leur durée.

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Fig. 1

Les premières armures de type lamellaire keikô ont été introduites au Japon au Ve siècle depuis la Chine. A l’époque Heian (794-1185), l’armure appelée oyoroi ou « grande armure » était portée par les guerriers de rangs supérieurs, des cavaliers-archers. Elle se composait d’un plastron do en deux parties sur lequel se fixait une jupe d’armes kusazuri à quatre tassettes trapézoïdales. De grandes épaulières osode de cinq ou six rangs de lamelles protégeaient les bras et un casque kabuto, prolongé par un couvre-nuque shikoro, préservait la tête du soldat. Les fantassins portaient quant à eux l’armure domaru, constituée d’une seule pièce se fermant sur le côté droit. Plus mobile et légère, elle était originellement portée sans épaulière ni casque. Les militaires de haut rang adoptèrent le domaru dès l’époque de Kamakura (1185-1333) et le conservèrent en parallèle à l’armure haramaki au XVe siècle, celle-ci se différenciait notamment par sa fermeture au milieu du dos.

L’évolution des armures japonaises est à mettre en relation avec le développement de la classe des guerriers dans l’histoire du Japon. La montée au pouvoir de cette classe dès le XIIe siècle au Japon renforce le rôle du samouraï ou bushi au sein de la société. Le samouraï, dont le nom tire son origine du verbe saburau « servir », sert le seigneur et suit des valeurs de fidélité, piété filiale, courage et honneur : ces vertus seront au cœur du Bushidô ou « Voie du guerrier » à la fin du XVIe siècle. Le fonctionnement du bakufu, ou « gouvernement militaire », au XIIe siècle, est similaire au système féodal occidental de la même période : le bushi acquiert la protection du « seigneur » ou shogun en échange de son obéissance et de sa fidélité.

Sous l’influence des armures occidentales, introduites au Japon par les Portugais, les armures japonaises produites à partir du milieu du XVIe siècle, à l’époque de Momoyama (1568-1615), sont appelées tosei gusoku ou « armures modernes complètes ». Un nouveau laçage simplifié ainsi que l’augmentation du nombre des accessoires (cuissardes, manches, jambières, gantelets) permettent une meilleure protection du guerrier. La cuirasse se structure selon deux modèles d’articulation différents : nimaido « en deux sections » ou gomaido « en cinq sections » et peuvent être constituées soit de plaques pleines en fer, soit de lamelles lacées. Dans le cas de l’armure nimaido tosei gusoku G750 [Fig.2], le plastron est un support idéal aux motifs décoratifs représentant Fudô Myôô, divinité bouddhique protectrice des guerriers, et ses deux acolytes sur des rochers et des vagues.

Fig. 2

Une technique décorative employée sur les plastrons est l’uchidashi ou technique du repoussé, comme sur l’armure G 750/1 [Fig.3] sur laquelle un lion fabuleux se détache en relief sur un fond de fleurs incisées.

Fig. 3

A l’époque d’Edo (1603-1868), un temps de paix est instauré par le shogunat Tokugawa et les bushi n’ont plus de terre. Toutefois, la production d’armures se poursuit avec notamment la création d’armures d’apparat, revêtues lors de cérémonies. Les laçages n’ont plus seulement une fonction utilitaire mais aussi un rôle décoratif, grâce à l’emploi de soies teintes aux couleurs multiples comme sur la pièce 370 I (G 758) [Fig.4]. Au XVIe siècle et jusqu’au milieu du XVIIe siècle, les échanges commerciaux entre l’Occident et le Japon sont nombreux et des armures sont envoyées par les shoguns Tokugawa comme cadeaux diplomatiques aux cours européennes. Ce sont des objets de collection prisés, comme en témoignent les deux armures[1] issues des collections royales françaises, aujourd’hui conservées au musée de l’Armée, qui furent réalisées par Iwai Yozaemon, l’armurier favori du shogun Tokugawa Ieyasu [Fig. 1].

Fig. 4

Claudie Renaux, documentaliste au département Expert et Inventaire du musée de l’Armée

[1] Armures japonaises G753 et G 758/1

Légende des illustrations :
Fig 1. Armure de type tachimarudo signée par Iwai Yozaemon n°371I (G 753)
Fig 2. Armure moderne complète à cuirasse en deux sections Nimai yokohagi do tosei gusoku G 750
Fig 3. Armure moderne complète au décor du plastron en fer repoussé Uchinashi do tosei gusoku 5552 I (G 750/1)
Fig 4. Armure moderne complète à lamelles lacées 370 I (G758)

Bibliographie :

• REVERSEAU Jean-Pierre, Armes et armures de la Couronne au musée de l’Armée, Editions Faton, Dijon, 2004, pages 212 – 215.
• SHIMIZU Christine, L’art japonais, Paris, Flammarion, 2008.
• SOUYRI Pierre-François, Samouraï. 1000 ans d’histoire du Japon, Les Editions, Château des ducs de Bretagne, Nantes, Les Presses universitaires de Rennes, Rennes, 2014.
• Cat. d’exp., Jacques Chirac ou le dialogue des cultures, sous la direction de Jean-Jacques Aillagon, Musée du Quai Branly, 21 juin 2016 au 9 octobre 2016, Flammarion, Paris, 2016, pages 140 – 141.
• Cat. d’exp., L’Or du Japon. Laques anciens des collections publiques françaises, sous la direction de Geneviève Lacambre, Monastère royal de Brou, Bourg-en-Bresse, du 2 mai au 25 juillet 2010, Musée des Beaux-arts d’Arras, du 28 août au 21 novembre 2010, IAC éditions d’art, Saint-Etienne, 2010.
• Cat. d’exp., Samurai, sous la direction de Jacques Deraeve et Jean Marie Duvosquel, Passage 44, du 21 septembre au 18 novembre 1984, Crédit communal de Belgique, Bruxelles, 1984.

Fig 1. : Photo (C) Paris – Musée de l’Armée, Dist. RMN-Grand Palais / Jean-Yves et Nicolas Dubois

Fig 2. et Fig 3. : Photos (C) Paris – Musée de l’Armée, Dist. RMN-Grand Palais / Marie Bour / Pierre-Luc Baron-Moreau

Fig 4. : Photo (C) Paris – Musée de l’Armée, Dist. RMN-Grand Palais / Emilie Cambier

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Il y a quelques mois, le département Iconographie a été approché par des représentants de la Fondation Teloglion qui souhaitaient emprunter des œuvres relatives à la guerre franco-allemande de 1870-1871, et plus précisément au Siège de Paris, cet épisode étant illustré par un panorama réalisé par Henri Félix Emmanuel Philippoteaux (1815-1884) conservé dans leur collection et qui devait être la pièce maîtresse de leur exposition.

Cet artiste, spécialiste de l’histoire militaire, réalisa avec son fils Paul Philippoteaux (1846-1923) trois versions de ce panorama. La première a été exposée dans la rotonde des Champs Elysées entre 1872 et 1890. Le musée de l’Armée conserve dans ses collections deux esquisses de ce panorama. La deuxième version a voyagé aux Etats-Unis à partir de 1882 et la troisième aurait été perdue quelque part en Europe. L’un de ces exemplaires a été amené en Grèce en 1896 à l’occasion des jeux olympiques, peut-être à l’initiative de Pierre de Coubertin[1]. Ce tableau a été exposé dans un pavillon situé juste devant le stade Panathénaïque d’Athènes, érigé à l’initiative de Nikolaos Thon (1850-1906), membre du comité d’organisation des jeux olympique de 1906 et directeur du théâtre royal, pendant une quinzaine d’année, et ce, malgré la volonté de la famille royale grecque de faire détruire le bâtiment car il cachait la vue sur le stade. L’œuvre a été démontée et a connu de multiples vicissitudes. Oubliée dans une réserve, faisant office de toiture pour un atelier de cordonnerie militaire, elle est redécouverte dans les années soixante par un marchand qui la restaure et la vend trente ans plus tard à la famille Teloglion.

Cette histoire témoigne du destin parfois rocambolesque qu’ont connu certaines œuvres d’art aujourd’hui conservées dans les musées du monde entier. Hier laissée à l’abandon, cette œuvre est présentée au public à l’occasion de l’exposition Philippoteaux crée le Panorama du Siège de Paris (18 octobre 2016 – 31 janvier 2017), à la Fondation Teloglion de l’Université Aristote de Thessalonique. Le Musée de l’armée participe activement à ce projet avec le prêt d’une des deux esquisses de Philippoteaux représentant le Siège de Paris, plusieurs tableaux d’Etienne-Prosper Berne-Bellecour (1838-1910) et de Paul-Louis-Narcisse Grolleron (1848-1901) ainsi que des assiettes décorées de Jules Draner (1833-1926). Ce projet est une belle occasion d’en savoir plus sur le Siège de Paris et sera un parfait avant-goût de la grande exposition France-Allemagne(s) : 1870-1871 : La guerre, la Commune, les mémoires qui se déroulera au musée de l’Armée du 12 avril au 30 juillet 2017.

Hélène Boudou-Reuzé
Assistante de conservation au Cabinet des dessins, des estampes et de la photographie

[1] Voir l’article de Christine Tsagkalia dans le catalogue de l’exposition de Thessalonique : « Les Philippoteaux et le « Panorama du Siège de Paris » : un Panorama français en Grèce », p. 17-24. Coubertin aurait évoqué dans les journaux de l’époque la nécessité d’exposer de l’art français en Grèce, mais cette hypothèse n’a pas été confirmée.

Fig. 1. Henri Félix Emmanuel Philippoteaux, Vue des fortifications de Paris pendant le siège, 1872, huile sur toile, H. 0,850 ; L. 1,182 m. Inv. 04949 ; Eb 394. Photo (C) Paris – Musée de l’Armée, Dist. RMN-Grand Palais

Fig. 2. Jules Renard, dit Draner (1833-1926), Assiette décorée d’une scène du Siège de Paris, 1871, faïence, inv. 20868-3. Photo (C) Paris – Musée de l’Armée, Dist. RMN-Grand Palais / Emilie Cambier

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Cette manifestation célèbre les cinq siècles de la publication du Roland Furieux de l’Arioste (1516), immense et touffu roman de chevalerie où les nobles compagnons de Charlemagne affrontent les non moins chevaleresques guerriers Sarrazins.

Parmi les pièces prêtées par le musée de l’Armée, l’épée perdue par François 1^er lors de la bataille de Pavie, épisode qu’évoque l’Arioste dans la seconde édition de son œuvre, est majestueusement présentée devant une des tentures de la tapisserie tissée pour célébrer cette grande victoire de Charles Quint, provenant du musée de Capodimonte à Naples. L’armure de Niccolo Silva, qui témoigne de l’excellence de l’armurerie milanaise au moment où l’Arioste compose son œuvre, est quant à elle exposée devant un labyrinthe graphique évoquant les trames enchevêtrées du Roland Furieux et les intrigues galantes ou aventureuses au cours desquelles ses personnages se croisent et se perdent tour à tour. Une épée Nasride attribuée à Boabdil, dernier roi maure de Grenade et une arquebuse à rouet ont également fait le voyage jusqu’à Ferrare pour être présentées dans cette exposition déclarée d’intérêt national par le Ministère italien des biens et activités culturelles et du tourisme. Un événement qui, outre le charme de l’ancienne capitale des Este, permet de découvrir d’insignes chefs-d’œuvre prêtés par de nombreux grands musées européens.

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Cette exposition invite à découvrir l’histoire et les résultats de l’expédition Baudin, un voyage d’exploration scientifique français financé par Napoléon Bonaparte avec pour objectifs la découverte et l’étude des sciences naturelles dans les mers du Sud et les territoires australs. Conduite par l’explorateur Nicolas Baudin (1754-1803), l’expédition part du Havre en 1800 et n’y revient qu’en 1804. Outre de nombreuses découvertes scientifiques, elle permet la réalisation de la première carte complète de l’Australie.

L’exposition présente des croquis originaux et des peintures de Charles-Alexandre Lesueur et de Nicolas-Martin Petit, embarqués comme dessinateur lors de l’expédition, ainsi que des objets et instruments, tel le dynamomètre, se rapprochant de ceux employés par les marins et les scientifiques.

Après sa présentation jusqu’à la fin de l’année 2016 à Adélaïde, l’exposition The Art of Science: Baudin’s Voyagers 1800-1804 sera ensuite itinérante dans toute l’Australie : elle sera visible au Queen Victoria Museum and Art Gallery (Launceston) de janvier à mars 2017, au Tasmanian Museum and Art Gallery (Hobart) d’avril à juin 2017, à l’Australian National Maritime Museum (Sydney) de juillet à septembre 2017, au National Museum of Australia (Canberra) de septembre à décembre 2017, puis au Western Australian Museum (Perth) de septembre à décembre 2018.

Christophe Pommier, département Artillerie

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[1] Voir aussi notre article consacré au dynamomètre de Régnier sur le blog des Collections : https://collections.musee-armee.fr/le-dynamometre-de-regnier/ ;

[2] Consulter le site du South Australian Maritime Museum : http://maritime.history.sa.gov.au/.

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Ce sont en effet pas moins de cinq armures, parmi lesquelles celle du souverain Henri II (inv. G 138), un cavalier entièrement équipé et sa monture, ainsi qu’une couleuvrine à l’emblématique de Charles Quint (inv. N 569) qui ont rallié le splendide Palais des ducs de Lorraine pour sa réouverture au public. Un déménagement délicat eu égard à la fragilité de certaines œuvres et à la masse considérable de la couleuvrine (507kg) (image ci-dessus).

Les mannequins de lansquenets impériaux (image ci-dessous) défient avec majesté les troupes du roi de France Henri II pour illustrer la rivalité entre l’Empire et la France au XVI^e siècle. Les salles voisines évoquent les conflits dans la région sous Louis XIII et Louis XIV.

L’intervention du musée de l’Armée ne s’est pas cantonnée au prêt de plusieurs pièces. Comme le souligne Pierre-Hippolyte Pénet, conservateur du patrimoine chargé des collections XV^e-XVIII^e siècles au musée Lorrain, « nous avons également profité de l’expertise des spécialistes du musée de l’Armée pour mener une étude générale sur le fonds militaria conservé au sein de notre établissement ». De quoi préciser, voire modifier certaines attributions et lieux de fabrication. Plus qu’un simple prêt d’œuvres, cette opération a été un véritable partenariat enrichissant pour les deux institutions.

Michaël Cesaratto
Assistant de conservation
Département Ancien du musée de l’Armée

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Dès le début de la guerre, les destructions des villes du nord (Louvain, Reims, Arras, Senlis, Soissons, Ypres) sont largement rapportées par la presse. L’opinion publique est marquée par une intense campagne de propagande montrant les exactions de l’ennemi s’attaquant au patrimoine national en dépit des dispositions édictées par la seconde Conférence de la Haye (18 octobre 1907) [2].

Située dans la Somme, la ville d’Albert est un centre d’activité métallurgique qui s’est développé à la fin du XIX^e siècle. Sa basilique Notre-Dame de Brebières, de style néo-byzantin, érigée par Edmond Duthoit entre 1885 et 1897, est surmontée d’une statue de la Vierge à l’enfant en cuivre martelé, due au sculpteur Albert Roze (1861-1952). Occupée en 1914 par les Allemands, la ville est évacuée après la bataille de la Marne, mais subit par la suite de très nombreux bombardements. Un obus atteint le clocher de la « Lourdes du nord » le 15 janvier 1915. La statue qui le surmontait s’est inclinée et reste suspendue, la tête en bas.

Artiste mondain, portraitiste et peintre de grands décors avant la guerre, François Flameng s’est rendu sur le front à l’occasion de missions au cours desquelles il réalise de nombreux dessins. Il réalise ce dessin intitulé Albert au mois d’août 1916, lors de l’offensive britannique sur la Somme. Si l’artiste montre au premier plan une scène du quotidien avec les deux soldats portant un baquet et le brancard posé à terre – évocation de l’activité militaire à Albert pendant la bataille de la Somme en 1916, où s’installent hôpitaux, cantonnements et dépôts – l’attention se focalise au second plan sur la basilique en ruines et la statue de la Vierge suspendue dans le ciel, évocation des dégâts matériels causés par l’artillerie.

L’œuvre de François Flameng a été publiée dans le journal L’Illustration le 31 mars 1917 (n° 3865). Les images de la vierge penchée d’Albert ont été largement diffusées dans les journaux pendant toute la durée du conflit et popularisées par la carte postale, faisant de la statue d’Albert Roze, une des « icônes populaires de la guerre » [3]. La statue s’effondre en avril 1918, donnant presque raison au dicton qui s’est répandu pendant le conflit : « quand la Vierge tombera, la guerre finira » [4].

Laëtitia Desserrières
Assistante au Cabinet des dessins, des estampes et de la Photographie

[1] Du 11 mars au 4 juillet 2016.

[2] Notamment les articles 27 et 56 : Art. 27. « Dans les sièges et bombardements, toutes les mesures nécessaires doivent être prises pour épargner, autant que possible, les édifices consacrés aux cultes, aux arts, aux sciences et à la bienfaisance, les hôpitaux et les lieux de rassemblement de malades et de blessés, à condition qu’ils ne soient pas employés en même temps à un but militaire. Le devoir des assiégés est de désigner ces édifices ou lieux de rassemblement par des signes visibles spéciaux qui seront notifiés d’avance à l’assiégeant. » Art. 56. « Les biens des communes, ceux des établissements consacrés aux cultes, à la charité et à l’instruction, aux arts et aux sciences, même appartenant à l’Etat, seront traités comme la propriété privée.

Toute saisie, destruction ou dégradation intentionnelle de semblables établissements, de monuments historiques, d’œuvres d’art et de science, est interdite et doit être poursuivie. »

[3] Claire Maingon, « Imaginaire et esthétique du patrimoine en guerre. L’exposition d’œuvres d’art mutilées ou provenant des régions dévastées par l’ennemi, Paris, 1916 », 1914-1918. Le Patrimoine s’en va-t-en guerre, cat. exp. sous la dir. de Jean-Marc Hofman, Paris, Citée de l’Architecture & du Patrimoine / Nora éditions, 2016, p. 50.

[4] L’église d’Albert est reconstruite à l’identique entre 1927 et 1931 par Louis Duthoit, fils d’Edmond, surmontée d’une réplique de la Vierge dorée.

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Les trois maîtres armuriers concernés, authentiques « stars » de la Renaissance dans leur domaine, se nomment Pompeo della Cesa, Niccolo Silva et Francesco Negroli (inv. G 118), ce dernier ayant travaillé en famille avec ses frères Alessandro, Filippo et Giovan Battista. C’est l’armure réalisée par ce dernier pour le Dauphin Henri d’Orléans (détail 1), futur Henri II (1519-1559), qui est la plus notable malgré une dossière légèrement voûtée s’adaptant à la morphologie du deuxième fils de François I^er. Véritable chef d’œuvre de fer damasquiné d’argent, ce harnois possède un riche décor où des registres verticaux ornés de frises végétales et autres arabesques argentés s’enlèvent sur un fond noirci (détail 2), restituant les couleurs du souverain, « sable et argent ».

Nombreuses sont les institutions à avoir envisagé l’emprunt de cette remarquable pièce. Le musée de l’Armée n’avait pourtant plus accordé cette faveur depuis 1998, le dernier bénéficiaire étant le Metropolitan Museum of Arts de New York à l’occasion de sa rétrospective sur Filippo Negroli : Heroic armor of the Italian Renaissance : Filippo Negroli and his contemporaries.

Michaël Cesaratto
Assistant de conservation
Département Ancien du musée de l’Armée

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Légendes des photographies :
[1] Armure du Dauphin Henri, futur Henri II
[2] Situés au bas de la dossière, deux dauphins rappellent l’identité et le titre du propriétaire de l’armure
[3] Plastron noirci et son riche décor damasquiné

Crédits photos : © Paris – musée de l’Armée, dist. RMN-Grand Palais / Jean-Yves et Nicolas Dubois

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